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[CFP] La technique Meisner, des États-Unis à la France : Transmission, adaptation, appropriation

La technique Meisner, des États-Unis à la France :

Transmission, adaptation, appropriation

18 novembre 2025 à Paris

Journée d’études co-organisée par Juliette Mézergues et Samuel Lhuillery

(Université Toulouse – Jean Jaurès), dans le cadre de l’axe 4 du programme ANR ACTiF,

« Cross-referencing cultural differences », centré sur la notion d’altérité.

Sanford Meisner (1905-1997), acteur et pédagogue étasunien, a profondément renouvelé l’art du jeu d’acteur en proposant une méthode sensible et organique, centrée sur l’instant présent et l’impulsion émotionnelle. Son exercice emblématique, dit de « répétition », permet de « vivre honnêtement dans des circonstances imaginaires », en stimulant la réactivité, les capacités d’observation et les impulsions émotionnelles de l’acteur. Au sein du Group Theatre puis à la Neighborhood Playhouse, Meisner a ainsi développé une approche innovante, distincte de la mémoire affective de Lee Strasberg, tout en s’inscrivant dans l’héritage de Stanislavski et dans le voisinage d’autres figures du Method Acting comme Stella Adler.

Si la technique Meisner est née aux États-Unis et s’est épanouie sur les scènes étasuniennes, elle a rapidement voyagé vers d’autres horizons, dont la France. C’est précisément ce phénomène de passage – avec son lot d’ajustements, d’incompréhensions et d’appropriations créatives – que cette journée d’études souhaite interroger. En s’inscrivant dans l’axe 4 du programme ACTiF, consacré à la notion d’altérité, et en s’appuyant sur l’exemple concret de la technique Meisner, cette journée vise à interroger la manière dont des méthodes de jeu étasuniennes sont importées, transformées et parfois déroutées par un contexte français aux références pédagogiques, esthétiques et culturelles différentes.

De la rencontre culturelle à la confrontation des pratiques

En effet, toute méthode de jeu s’inscrit dans un contexte culturel, social et politique – et toute transmission de pratique scénique implique un certain « filtrage » culturel : termes techniques intraduisibles, postures corporelles inhabituelles, ou encore présupposés d’enseignement qui se heurtent à d’autres traditions. Dans le cas de la technique Meisner, comment expliquer que certains exercices, évidents pour des acteurs étasuniens familiers de l’approche stanislavskienne, puissent paraître plus opaques aux comédiens formés dans un cadre français ? À quel moment surgissent des malentendus, voire des résistances, lorsque le vocabulaire de Meisner (dans son lexique et son esprit) est transposé en français ? Et à l’inverse, existe-t-il des cas dans lesquels cette importation et cette transition se font de manière fluide et évidente ?

De plus, l’histoire du théâtre français valorise parfois d’autres modèles de jeu, qu’il s’agisse de traditions héritées du conservatoire, d’un théâtre de troupe, ou de recherches contemporaines inspirées d’autres avant-gardes (Grotowski, Lecoq, etc.). Quelles tensions, convergences ou hybridations naissent de la rencontre entre cette pluralité d’approches et le paradigme de Meisner ?

Interroger la pratique au prisme des enjeux éthiques et sociétaux

La question de l’altérité se pose également à travers l’évolution des regards portés sur l’enseignement du jeu. Aujourd’hui, le mouvement #MeToo a reconfiguré les notions de consentement et de sécurité émotionnelle, rendant parfois problématiques certaines formes de travail corporel ou psychologique héritées de la tradition du Method Acting. En quoi les sensibilités françaises et étasuniennes diffèrent-elles sur ces questions – et de quelle manière la technique Meisner est-elle adaptée pour réconcilier ces divergences et conjuguer l’exploration profonde des émotions avec l’exigence d’un cadre sécurisant pour les acteurs ?

Enjeux, perspectives et axes de recherche

En s’inscrivant pleinement dans la thématique de l’altérité portée par l’axe 4 d’ACTiF, cette journée analysera non seulement l’histoire et l’héritage de la technique Meisner, mais aussi sa pratique contemporaine en France. Plusieurs points de tension ou de dialogue émergeront, depuis la question de la terminologie jusqu’au positionnement éthique de l’enseignant vis-à-vis de l’élève. Nous nous intéresserons également à la plasticité de cette méthode dans la perspective d’un usage au cinéma ou dans des formats hybrides, et à la manière dont les enseignants français s’en sont saisis pour la faire évoluer.

Au-delà de la technique Meisner elle-même, cette journée d’études souhaite éclairer plus largement la façon dont une pratique scénique, née dans un contexte historique et culturel spécifique, se reconfigure en traversant l’Atlantique. Les échanges entre théoriciens, praticiens et observateurs privilégieront une approche à la fois critique et empirique, afin de mieux comprendre ce que signifie véritablement l’« importation » d’une méthode de jeu d’acteur : tensions, négociations, enrichissements mutuels, mais aussi questionnements sur l’identité même du jeu « à la française » et sur ce que l’on considère, d’un point de vue étasunien, comme le cœur de la méthode.

Cette journée entend ainsi confronter, par l’analyse et la pratique, deux univers théâtraux et pédagogiques dont l’entrelacement est souvent plus complexe qu’il n’y paraît. Elle invite chaque intervenant·e à mettre en évidence la multiplicité de lectures et de réappropriations qui façonnent une discipline vivante et en mouvement.

Axes de réflexion proposés :

• Sanford Meisner et son héritage : comment l’exercice de répétition était-il enseigné par Meisner ? Comment a-t-il évolué aux États-Unis depuis sa création ? Comment et par qui est-il enseigné aujourd’hui ?

• Des US à la France : comment et pourquoi la technique Meisner s’est-elle diffusée en Europe, et plus particulièrement en France ? Quels enjeux culturels, esthétiques et pédagogiques ont façonné son adaptation ? Qui ont été les passeurs et passeuses, les personnes importantes dans la circulation et la transmission de ce travail ?

• Dialogues et tensions pédagogiques : quelles sont les compatibilités, complémentarités ou incompatibilités entre la technique Meisner et d’autres approches européennes du jeu ? Quelles visions de l’enseignement et du jeu peuvent cohabiter avec cette technique ?

• Pratique contemporaine et éthique : comment la technique est-elle enseignée à l’ère du mouvement #MeToo ? Quelles adaptations sont nécessaires pour respecter les notions de consentement et de sécurité émotionnelle dans la pédagogie ?

• Variations disciplinaires : l’exercice de répétition est-il plus adapté au théâtre, au cinéma ou à d’autres formes d’expression artistique ? Quelles spécificités émergent dans ces différents contextes ?

• Appropriations et innovations : comment les pédagogues réinterprètent-ils la technique Meisner en fonction de leurs propres sensibilités et objectifs ?

Les propositions de communication (300 mots environ, suivies d’une courte bio-bibliographie) sont à envoyer avant le 31 juillet 2025 à mezergues@gmail.com et lhuillery.samuel@gmail.com.

Les réponses seront données le 1er septembre 2025.

BIBLIOGRAPHIE non exhaustive :

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Besson Jean-Louis, Wibo Anne (dir.), Études théâtrales 26 : L’acteur entre personnage et performance. Présences de l’acteur dans la représentation contemporaine, actes du colloque des 24 et 25 mai 2002, organisé par le Centre d’études théâtrales de l’Université catholique de Louvain (U.C.L.), Louvain-la-Neuve, Belgique, Études théâtrales, 2003.

Carville James, Trost Scott Tillma, De Tree a We: The Remarkable Lives of Sandford Meisner, James Carville & Boolu, Los Angeles, GR8 Books, 2017.

Chekhov Michael, Être acteur. Technique du comédien, traduit de l’anglais par Janvier Élisabeth et Savatier Paul, Paris, Éditions Pygmalion / Gérard Watelet, 1986.

Chekhov Michael, L’imagination créatrice de l’acteur, traduit de l’anglais par Famchon Isabelle, Paris, Éditions Pygmalion / Gérard Watelet, 1995.

Donnelan Declan, L’acteur et la cible. Règles et outils pour le jeu, traduit de l’anglais par Latour Burney Valérie, Paris, éditions L’entretemps, 2004.

Hodge Alison (dir.), Actor Training (second edition), London & New York, Routledge, 2010.

Krasner David, « Strasberg, Adler and Meisner: Method Acting », Hodge Alison (dir.), Twentieth Century Actor Training, London & New York, Routledge, 2000.

Longwell Dennis, Meisner Sandford, Sandford Meisner on Acting, New York, Random House, 1987.

Meisner Sandford, Sur le jeu d’acteur, traduit de l’anglais par Grandsard Marc, Nantes, Capricci, 2025.

Shirley David, « “The Reality of Doing”: Meisner Technique and British Actor Training », Theatre, Dance and Performance Training, vol. 1, n°2, 2010, p. 199-213.

Silverberg Larry, The Sandford Meisner Approach: An Actor’s Workbook, Lyme (New Hampshire), Smith and Kraus, 1994.

Stanislavski Constantin, La formation de l’acteur, traduit de l’anglais par Janvier Élisabeth, Paris, Petite bibliothèque Payot, 1963.

Strandberg-Long Philippa, « Mapping Meisner – how Stanislavski’s system influenced Meisner’s process and why it matters to British Drama School training today », Stanislavski Studies, vol. 6, n°1, 2018, p. 11-19.

Strandberg-Long Philippa, « Staying on task — how the concept of skill challenge balance provides a key element to the teaching of the Meisner technique », Stanislavski Studies, vol. 9, n°2, 2021, p. 163-184.

CFP: Palgrave Studies in Cultural Censorship

RADAC is happy to announce the launch of a new book series edited by Anne Etienne (University College Cork, Ireland) and Graham Saunders (University of Birmingham, UK) on Cultural Censorship.

This new series aims to explore the extensive and complex evolution of censorship from the sixteenth century onwards. We are inviting
proposals that will examine how censorship has operated and been debated across disciplines: literature, performance (theatre, dance, music) and screen studies. The series will highlight relationships between these artistic and cultural disciplines and various forms of censorship as they have existed and continue to exist globally. The wide geographical and historical parameters that the series intends to address respond to the widespread presence of censorship as well as to its inherent nature, which in turn is inextricably connected to given cultural contexts. Each volume will take its own theoretical, critical, historical, or intertextual approach, and may focus inter alia on a generic or thematic field, on case studies on a particular work or author associated with censorship, or on interdisciplinary topics.
As its title implies, the series will encompass a wide theoretical, interdisciplinary, and historical sweep to approach censorious encounters ranging from creation to reception. It will explore the numerous and complex ways by which forms of censorship operate as well as the strategies with which artists circumvent, negotiate, capitulate, or resist such attempts to silence their work. As such, the series intends to initiate redefinitions of what we understand or experience as censorship and the ways in which it can be accommodated, subverted, or challenged.
Proposals are welcomed on the following areas but are certainly not limited to these:

  • State endorsed censorship of artistic practice
  • Censorship through arts funding policies
  • Artistic self-censorship
  • The histories and functions of censorship bodies
  • Strategies in artistic practice for avoiding censorship
  • Censorship and literary estates
  • Institutional censorship in arts organizations
  • Taboos and their evolution
  • Audience/readers as censors
  • Censorship in a global market
  • Strategies of exclusion
  • ‘Moral panics’

We welcome monographs and edited collections of 80,000-100,000 words as well as shorter Palgrave Pivots on a single work/artist (25,000 – 50,000 words)

CONTACT FOR PROPOSALS
If you are interested in discussing a potential proposal for the series, please contact the series editors: a.etienne@ucc.ie and g.j.saunders@bham.ac.uk

[JE] Fictions étasuniennes sur la scène française (1960-2025) : enjeux esthétiques, culturels, économiques et politiques / Les 5 et 6 février 2026, Université Jean Jaurès

Staging American fiction in France : Adapting Non Dramatic Texts from the US (1960- 2025)

Please Scroll Down for the English Version

Cette double journée d’étude s’inscrit dans le programme ACTiF, American Contemporary Theater in France (ANR-23-CE54-011/2023/CE54, ACTiF – American Contemporary Theater in France), coordonné par le CAS (EA801)

Nous y étudierons la réception des fictions étasuniennes en France à travers leurs adaptations à la scène française (1960-2026). Nos travaux donneront lieu à une publication dans une revue à comité de lecture.

Remarque : l’atelier du vendredi après-midi sera consacré à la synthèse collective de nos travaux ainsi qu’à l’ébauche de nouvelles pistes.

Les propositions (en français ou en anglais, d’une durée de 25 minutes), accompagnées d’une courte bio-bibliographie, doivent être adressées à emeline.jouve@univ-tlse2.fr et aurelie.guillain@univ-tlse2.fr avant le 30 juin 2025.


Texte de cadrage :

En France, l’adaptation de textes non dramatiques pour la scène prend une signification nouvelle au début du vingtième siècle quand le metteur en scène s’impose comme auteur à part entière et non plus comme serviteur d’un texte pré-existant. L’adaptation peut alors relever de la transposition et s’intégrer dans une esthétique naturaliste traditionnelle, mais certains, comme Jean-Louis Barrault, y voient l’occasion de mobiliser des forces psychiques inconscientes au service du geste créateur aussi bien chez l’acteur que le metteur en scène: l’adaptation est alors considérée comme une source de régénérescence pour la pratique théâtrale (Barrault 32-34).

Dans les années 1960-80, ce lien entre adaptation et créativité demeure actif, d’autant plus qu’après 1968, une partie du théâtre français cherche à frayer pour ses spectateurs des voies inédites de politisation et de réflexion critique. A propos de son adaptation des Cloches de Bâle d’Aragon (1975), Antoine Vitez parle de « théâtre-récit » et de « théâtre indirect» qui favorisent la conscience d’avoir affaire à un «simulacre» (Vitez 494-95): le découpage des voix et le libre va-et-vient entre lecture et incarnation du texte romanesque produisent chez le spectateur un mode d’écoute distancié. A travers ce type d’adaptation, les effets d’identification ou de distanciation sont au centre du jeu, dans la continuité de Brecht ou en réaction à ses propositions. En outre, surtout à partir des années 1990, l’adaptation a nourri l’émergence de montages intermédiaux (le texte adapté n’étant parfois qu’un des multiples matériaux dont est composé le spectacle) ou encore de formes «postdramatiques» (Lehmann): c’est le processus d’adaptation d’un roman, plutôt que la fable romanesque, qui est donné à voir au spectateur.

Entre 1960 et 2026, on observe que la proportion de ces adaptations tend à augmenter sur la scène française et que la part des fictions étasuniennes y augmente régulièrement, alors qu’au début de la période, les adaptations de textes russes ou allemands dominaient encore le paysage théâtral.

Ces adaptations ont été très peu étudiées malgré certains travaux pionniers comme ceux de Judith Graves Miller. Or, elles constituent un point d’entrée non négligeable dans l’étude de la réception de la littérature des Etats-Unis en France et peuvent être abordées selon de multiples perspectives.

Nous pouvons nous interroger sur le type de circuit emprunté par le texte, en nous demandant notamment dans quelle mesure le modèle du « circuit de communication du livre » proposé par Robert Darnton pourrait inspirer une étude de l’adaptation des textes étasuniens au théâtre. On peut aussi s’interroger sur le type de capital symbolique associé aux textes adaptés ainsi qu’au processus d’adaptation lui-même.

A l’intersection de la critique littéraire et de l’histoire des représentations, nous pouvons également étudier le type de vision des Etats-Unis qui est proposée dans ces adaptations théâtrales. Dans sa création ou sa réception, le spectacle est-il associé à une forme d’« américanité » (notion qui appelle d’ailleurs une problématisation) ou bien l’américanité du texte de départ est-elle gommée ? Ce dernier est-il crédité d’une force particulière du fait de son américanité supposée, et pour quelles raisons ? On pourra aussi s’intéresser à la mobilisation de la culture populaire étasunienne, celle à laquelle les récepteurs français sont le plus exposés. Le rôle de la comédie musicale, et les connotations qu’elle véhicule, seront d’un intérêt particulier. On pourra aussi envisager les spectacles comme des commentaires (sérieux, parodiques ou satiriques) sur tel ou tel aspect des arts, de la culture ou de la politique étasuniens.

Nous tenterons par ailleurs de cerner ce qu’a pu apporter l’adaptation de ces fictions au processus artistique lui-même. Certaines adaptations relèvent d’une esthétique naturaliste, mélodramatique ou grand-guignol bien identifiée; d’autres manifestent au contraire un désir d’innovation formelle menant à une forte hybridité générique (théâtre, marionnettes, lecture, danse-opéra-vidéo). Se posera la question de la force poétique qui est supposée, dans chaque création, au texte étasunien, aux mythologies des Etats-Unis, à leurs cultures ou à leur histoire.


La période étudiée est située entre 1960 et le présent. Nous invitons à soumettre des propositions de communication portant sur les sujets suivants (liste seulement indicative):

  • Etude de l’adaptation de fictions étasuniennes par un.e metteu.r.se en scène français.e ou d’adaptations de fictions étasuniennes conçues pour un public français (pour n’en nommer que quelques-une.s: Gildas Bourdet-Jack London; Stuart Seide-Herman Melville; Rodolphe Dana-John Cheever; Jacques Lassalle-Henry James, William Faulkner; Céline Pauthe-Henry James, Séverine Chavrier-William Faulkner ; Tiphaine Raffier-Philip Roth; Julien Gosselin-Don DeLillo ; Eva Doumbia-Toni Morrison…)
  • Etude du processus d’adaptation comme phénomène intersémiotique : analyses de spectacles adaptés d’une fiction étasunienne ; enjeux esthétiques, enjeux en termes de réception
  • Etude du processus d’adaptation comme création collective ; les différents acteurs de l’adaptation
  • Rôle des passeurs de la littérature des Etats-Unis, déclencheurs d’adaptation : traducteurs, adaptateurs, interprètes, agents
  • Histoire et sociologie des adaptations de fictions étasuniennes : droits d’adaptation/ de traduction/ de représentation ; le capital symbolique ou de notoriété du texte adapté ; stratégies artistiques et stratégies commerciales ; le rôle des institutions culturelles
  • Etude comparée des adaptations en France et dans d’autres pays européens (1960-2026) 

Call For Papers, English Version

Staging American Fiction in France : Adapting Non Dramatic Texts from the US (1960-2025)

5-6 February 2026, University of Toulouse-Jean Jaurès, France

This two-day symposium is part of the ACTiF research program on “American Contemporary Theater in France” (ANR-23-CE54-011/2023/CE54, ACTiF – American Contemporary Theater in France), coordinated by the Centre for Anglophone Studies (CAS -EA801).

The symposium proposes to focus on the reception of non-dramatic US fictions in France through their adaptation to the stage (1960-2025).

A special issue of a peer-reviewed journal will later be dedicated to the theme of the symposium so that expanded versions of the conference papers may be submitted for publication.

Please send paper proposals (25 minutes, in French or in English) and a short bio-bibliography to emeline.jouve@univ-tlse2.fr and aurelie.guillain@univ-tlse2.fr by June 30, 2025.

Call for Papers :

At the dawn of the twentieth century in France, the adaptation of non dramatic texts took on a particular significance as stage directors established themselves as authors in their own right, as opposed to mere servants of a pre-existing text. Some adaptations would be conceived as transpositions and would fit into a traditional naturalistic aesthetic but some artists, like Jean-Louis Barrault, saw it as an opportunity to summon unconscious psychic forces in the service of the creative gesture for both the actor and the director: adaptation was then seen as a source of regeneration for theatrical practice (Barrault 32-34).

In the 1960, 1970s and 1980s, the connection between adaptation and creativity remained relevant as the post-1968 French theatre sought to open up new avenues of politicisation and critical reflection for its audiences. Referring to his adaptation of Aragon’s Cloches de Bâle (1975), Antoine Vitez spoke of théâtre-récit and théâtre indirect that fostered the spectator’s awareness of being exposed to a “counterfeit” (Vitez 494-95): as actors alternate between reading and embodying the novelistic text, the show creates a distanced mode of listening for the audience. Through this sort of adaptation, identification or distancing effects are placed at the heart of the theatrical performance, in the wake of Brecht or in reaction to his views. Moreover, especially from the 1990s onwards, adaptation has fuelled the emergence of intermedial “montage” (the adapted text being often only one of the many materials that make up the performance) or “postdramatic” forms (Lehmann): then it is the process of adapting a novel, rather than the novelistic fable, that is presented to the audience.

Between 1960 and 2026, the volume and proportion of adaptations have increased on the French stage, and the share of American fiction has risen steadily, whereas at the beginning of the period, adaptations of Russian or German texts tended to dominate the theatrical landscape.

Adaptations of American texts in France have drawn little critical attention despite some pioneering studies such as those by Judith Graves Miller. Yet these adaptations can help us enlighten both aesthetic developments and cultural transfers that took place during this period; they constitute a significant aspect of the reception of US fiction in France.

What kind of vision of the United States is presented in these adaptations? In its creation or reception, is the show associated with a form of “American-ness” (a notion that calls for problematization) or is the American-ness of the text erased? Is the source text credited with any particular strength because of its supposed American-ness, and if so, for what reasons? We can also examine the way popular US culture is used, inasmuch as it is the portion of that culture to which French audiences are most exposed. The role of the musical and the connotations it carries can be of particular interest in this regard. Theatre performances can also be explored as serious, parodic or satirical commentaries on some aspects of American arts, culture or politics.

The symposium will not only examine the reception of US texts through their French adaptations : it will also be an attempt at identifying what the adaptation may have contributed to the artistic process itself. Some adaptations have a clearly identified naturalistic, melodramatic or grand-guignol aesthetic; others, on the other hand, elicit a strongly experimental drive and a taste for generic hybridity (theatre, puppets, reading, dance-opera-video). What kind of poetic force is the American text credited with? What significance and source of inspiration is found in the mythologies of the United States, their culture or their history for those who create the adaptation?

The period studied is between 1960 and the present day. We invite proposals for papers on the following topics (indicative list only):

  • Study of adaptations of American fiction by a specific director (e.g., to name only a few: Stuart Seide-Herman Melville; Rodolphe Dana-John Cheever; Jacques Lassalle-Henry James and William Faulkner; Céline Pauthe-Henry James; Séverine Chavrier-William Faulkner; Tiphaine Raffier-Philip Roth; Julien Gosselin-Don DeLillo; Eva Doumbia-Toni Morrison, etc.).
  • Study of the adaptation process as an inter-semiotic phenomenon: close examination of shows adapted from American fiction; aesthetic issues, modes of reception.
  • Study of the adaptation process as a collective creation; the different players involved in the adaptation process
  • The passeurs of American literature: initiators, intermediaries, translators, adapters, interpreters, agents
  • Historical and/or sociological approaches to the adaptation of US fiction: negotiations around adaptation/translation/performance rights; symbolic capital, reputation of the adapted text; artistic and commercial strategies; the role of cultural institutions.
  • Comparative study of adaptations of US fiction in France and other European countries.

Select Bibliography

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BESSON, Jean-Louis, M. MÉGEVAND, J. RYNGAERT, D. SCHRÖPFER Schröpfer, A. TALBOT, A. « ‘Faire théâtre de tout’. De Vitez, Mnouchkine, Bezace à Danis, Minyana, Renaude… » Études théâtrales, N° 38-39 (1), 2007, pp. 94-104. https://doi.org/10.3917/etth.038.0094.

CARRIÈRE, Jean-Claude, Jack GAJOSK, Dominique LEDUR, Jean-Paul RAPPENEAU (et al.)L’adaptation. Du théâtre au cinéma, du roman au théâtre ; Théâtre et adolescenceÉtudes Théâtrales n. 2, Louvain-la-Neuve, 1992.

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SARRAZAC, Jean-Pierre. « Le partage des voix », Nouveaux territoires du dialogue, Jean-Pierre Ryngaert, Actes Sud-Papiers, 2005, pp. 11-21.

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VITEZ, Antoine. Le Théâtre des idées. Gallimard, 1991.

2025 RADAC Book Club sessions

À vos agendas! Le Book Club de RADAC est de retour en 2025 avec pas moins de trois séances programmées. Les rencontres auront lieu sur Zoom pour aborder des monographies sur le théâtre anglophone contemporaine récemment publiées.

Save the date! The RADAC Book Club is back in 2025 with no less than 3 sessions. The Book Club meets monthly over Zoom to discuss newly published monographs on contemporary Anglophone theatre .

2025 Program

19 février 2025 | Feb 19 2025 – 12:00pm CET

Béla Czuppon, Marianne Drugeon, et Florence March, The Chibok Girls: Our Story / Les Filles de Chibok : notre histoire de  Wolé Oguntokun (Nouvelles Scènes/Anglais, Presses Universitaires du Midi, 2024)

Join us via this Zoom link.

7 mars 2025 | March 7 2025 – 12:00pm CET

Émeline Jouve, Un siècle d’avant-garde. Essai sur le théâtre étasunien (Deuxième Epoque, 2024).  

Aloysia Rousseau,  Dennis Kelly, Routledge, 2024.  

Join us via this Zoom link

7 mai 2025 | May 7 2025 – 12:00pm CET / 11:00am GMT

Anne Etienne et Graham Saunders, The Palgrave Handbook of Theatre Censorship, Palgrave 2024.

Several of the book’s contributors will be present:
Kgafela oa Magogodi & Samuel Ravengai
Sara Soncini

Richard Hand & Mike Wilson
Émeline Jouve

Join us via this Zoom link


[Prix Master] Pénélope Szulka est lauréate du Prix Master RADAC 2025

RADAC est heureux d’annoncer que Pénélope Szulka (Institut Catholique de Paris) a reçu le prix Master 2025 pour son mémoire de M1 intitulé: “Exploring Corporeality and Fluid Identities: An Analysis of Violence in the Perception of the Self in Sarah Kane’s Cleansed.Ce mémoire a été rédigé sous la direction de Anne Marie Smith Di Biasio .

RADAC is pleased to announce that Pénélope Sulzka (Institut Catholique de Paris) is the 2025 Master’s Award Laureate for her dissertation entitled: “Exploring Corporeality and Fluid Identities: An Analysis of Violence in the Perception of the Self in Sarah Kane’s Cleansed”. This dissertation was supervised by Anne Marie Smith Di Biasio.

Diagram storyline of Cleansed drawn by Sarah Kane during and interview with
Dan Rebelatto on the 3rd of November 1998
http://www.danrebellato.co.uk/sarah-kane-interview

Le Jury était composé de Susan Blattès (Professeur émérite, UGA) et Giuseppe Soffo (Associate Professor à Ca’Foscari University of Venice)

“Le mémoire que le jury a souhaité récompenser cette année prend comme sujet la pièce de Kane dont la violence extrême se prête difficilement à interprétation. L’auteurice est donc amené sans arrêt à nuancer et à insister sur les contradictions dans une pièce qui tantôt suscite les émotions chez les spectateurs et tantôt les garde à distance. L’analyse des personnages est particulièrement fine dans une approche qui fait appel aux théories postmodernes. La notion de personnages à multiples identités est très utile, ainsi que la question des rapports entre le corps et l’environnement extérieur. Il convient de noter que la bibliographie dont se sert l’auteurice est riche et bien choisie. Le jury a aussi apprécié l’importance accordée aux différentes mises en scène, dont l’une très récente à l’université de Yale. Tout au long de l’étude, l’auteurice tient compte des défis posés aux spectateurs par une telle œuvre. Enfin, le jury félicite l’auteurice pour la qualité de l’anglais et pour un travail bien équilibré et bien structuré.”

La lauréate devient membre de RADAC pour un an. Un résumé de son mémoire paraîtra dans le numéro 39 de Coup de Théâtre. Grâce à un don, elle se verra aussi attribuer un chèque de 250 euros.

Le bureau de RADAC adresse toutes ses félicitations à la lauréate !

Table ronde avec la metteure en scène Chloé Dabert – 14 février 2025 – Sorbonne Université | Roundtable with stage director Chloe Dabert – Feb 14th 2025 – Sorbonne Université

Une table ronde avec la metteuse en scène Chloé Dabert se tiendra en Salle des actes en Sorbonne (entrée rue Saint Jacques) le vendredi 14 février de 16h à 18h et sera suivie d’un cocktail au Club des Enseignants.

La table ronde abordera les deux pièces de Lucy Kirkwood mises en scène par Chloé Dabert : Le Firmament qui se joue en ce moment au théâtre du Rond-Point (https://www.theatredurondpoint.fr/spectacle/le-firmament/) et Rapt (présentée sous le pseudonyme Lucie Boisdamour) qui se joue du 12 au 14 février au théâtre 71 à Malakoff (https://malakoffscenenationale.fr/theatre-71/programme/rapt).

Pour participer à l’événement, envoyer un mail à Aloysia Rousseau (aloysia.rousseau@sorbonne-universite.fr) avant le 20 janvier afin de pouvoir accéder à l’enceinte de la Sorbonne.

Join us for a roundtable with stage director Chloé Dabert on February 14, 2025 (4pm-6pm) at the Sorbonne, in the Salle des Actes. The event will be followed by a cocktail reception at the Club des Enseignants.

The roundtable will focus on Dabert’s staging of two plays by Lucy Kirkwood that are currently being performed in Paris and its region: The Welkin (Le Firmament) currently at the Théâtre du Rond-Point (https://www.theatredurondpoint.fr/spectacle/le-firmament/) and Rapture (Rapt) which will play from Feb 12th to 14th at the Théâtre 71 in Malakoff (https://malakoffscenenationale.fr/theatre-71/programme/rapt).

To participate in this event and be granted access to the premises, send an email to Aloysia Rousseau (aloysia.rousseau@sorbonne-universite.fr) by January 20th.

AGM 2024 Convening Dec 12th, 2024, 12:30

L’assemblée générale annuelle de RADAC se tiendra le 12/12/2024 à 12h30 sur Zoom: https://univ-tlse2.zoom.us/j/93173221810

The RADAC Annual General Meeting will take place on Dec 12th, 2024 at 12:30 over Zoom: https://univ-tlse2.zoom.us/j/93173221810

Ordre du jour

I.           Rapport moral de l’année 2024 

1.              Fonctionnement

2.              Événements et partenariats 

3.              Coup de Théâtr

II.         Rapport financier de l’année 2024 

III.       Perspectives 2025 

IV.       Questions diverses

[TRAD COLLAB] The Gut Girls de Sarah Daniels

Le projet de traduction des Gut Girls de Sarah Daniels, porté par Agathe Torti-Alcayaga avec Susan Blattès, Marianne Drugeon, Claire Hélie, Marie Nadia Karsky et Estelle Rivier-Arnaud, a été présenté par le groupe dans deux séminaires à Grenoble et Montpellier et dans une conférence performée lors du colloque de la SAIT au Mans sur la chair des textes. Il a aussi fait l’objet de communications dans des journées d’études à Paris 8 et à Lille. Une journée d’études est prévue à Villetaneuse le 14 mars et une double publication (traduction / recherches) paraîtra en 2025. Le travail collaboratif sur cette pièce devrait faire partie de la programmation culturelle de l’Université de Lille en 2025-2026.

[LECT] Joe White, Blackout Songs, Festival Made in Britain, Compagnie du Prisme, 5 oct. 2024

Traduction : Claire Hélie
Mise en scène : Arnaud Anckaert
Avec : Fabrice Gaillard et Caroline Mounier

Elle et lui se rencontrent lors d’une réunion des Alcooliques Anonymes, et leur histoire d’amour commence à travers des péripéties et des jeux de rôle qui les emmènent au cœur d’une relation vibrante et toxique, où l’un et l’autre cherchent un équilibre à travers une relation fragile. Blackout Songs traite de la dépendance : la compulsion du couple à continuer à boire est associée à la créativité pour lui, et à une rébellion contre la « normalité » pour elle. C’est une écriture courageuse et originale, dure et sans sentimentalisme. Une drôle de tragédie romantique qui devient compulsive à regarder. 

L’Arche est éditeur et agent théâtral du texte représenté.

Made In Britain| Cie Théâtre du prisme

[PUB] « Au-delà de la barrière de la langue -Trois conversations sur le théâtre multilingue et en langue minoritaire  » co-dirigé par  Madelena Gonzalez et Helen Landau 

Comprendre au-delà des mots. C’est là tout l’enjeu du théâtre qui mêle plusieurs langues étrangères, ou qui est joué dans une langue minoritaire. Loin d’être bridé par la barrière de la langue, ce genre sollicite l’imagination du public et crée de nouveaux liens avec lui. Sa résurgence sur la scène contemporaine s’accompagne d’une vaste palette de possibilités artistiques et scénographiques, mais aussi de messages politiques : en portant la voix des minorités, le théâtre multilingue aspire à créer une puissante cohésion sociale. 

Cet ouvrage propose une étude pluridisciplinaire du théâtre multilingue et en langue minoritaire. Il est issu de conversations publiques qui laissent la parole à des chercheurs, des metteurs en scène et des acteurs.

Madelena Gonzalez et Helen Landau en conversation avec :

Ana Bayat, Anika Falkert, Marie-Jeanne Galéra, Patricia Kessler, Amir Reza Koohestani, Wendy Mottard, Paola Ranzini, Fabrice Raspati, Robin Recours

Avec la participation de Florence Bistagne, Rémy Roche et Claire Ruppli,

Événement à l’occasion de la sortie du livre

Il y aura une présentation de l’ouvrage jeudi 17 octobre, en présence de plusieurs participants du livre, à la maison Jean Vilar à Avignon, avec le soutien de la BNF/La maison Jean Vilar, de 18 h à 19 h 30.

La présentation des Éditions Universitaires d’Avignon et du livre sera suivie d’un pot d’amitié

Collection Entre-Vues, Les éditions universitaires d’Avignon

Les Éditions Universitaires d’Avignon – Avignon Université (univ-avignon.fr)

À paraître le 17 octobre 2024 en version papier et sur OpenEdition Books

ISBN : 978-2-35768-174-3120 p. / 8 €

Groupe de Recherche sur les Arts Dramatiques Anglophones Contemporains | French Society for Contemporary Anglophone Drama